Carolina Campo

un dia electoral

2010-07-14T09:50:00.004-03:00

escena postal

2010-03-17T14:51:00.001-03:00

Dir: Rodrigo Duarte y Santiago Albano Con: Carolina Campo

Poemas de la desgracia I

2010-01-08T17:31:00.002-03:00

Cuando en Uruguay votamos la anulación de la ley de caducidad
la mayoría de los uruguayos eligieron seguir escondiendo la verdad,
muchos nos manifestamos al respecto, esta es mi forma.

Documental - una onu

2009-10-13T15:38:00.003-03:00

a veces hago cosas que le sirven a alguien para algo

Los Volcanes

2009-09-04T21:00:00.001-03:00

http://www.myspace.com/tusvolcanes

Solitarios en La Diaria

2009-09-02T16:08:00.000-03:00

nyc y merican psycho

2009-08-13T21:57:00.002-03:00

dormidos al volante

motorcycle man

2009-08-10T21:01:00.006-03:00

los Dormidos en el Living.

dormidos al volante

2009-08-01T16:13:00.005-03:00

3 videitos del primer toque de dormidos al volante
http://www.myspace.com/dormidosalvolante

8.40 Carmen Sandiego

2009-07-21T21:17:00.002-03:00

El primer travesti que acaricie en mi vida se llama Florencia,
video de Rod Duarte

experimentos publicitarios

2009-07-20T13:29:00.004-03:00

Creativos: Rodrigo Costas, Federico Russi
Producción y Realización: Carolina Campo

pinguino

2009-05-18T11:32:00.000-03:00

vida animal

2009-04-09T21:10:00.002-03:00

el mismo video, ajustado
ahora si con permisos musicales!
para que los sres de las disqueras no molesten mas a la gente que no les roba nada.

summer time affair

2009-04-09T06:50:00.006-03:00

musica Dormidos al volante
documental
sin presupuesto

las cajas secretas

2008-08-21T10:55:00.001-03:00

otro de mis experimentos con los smiths, el puerto y los efectos de premiere, otro video casero

se los come vivos

2008-07-25T14:23:00.005-03:00

santi expone en marte
sabado 26 12:00 hs. inaugura muestra colectiva de "lo nuevo"

retratos de familia III

2008-07-09T01:48:00.001-03:00

julio primero - julio cuarto

suelo

2008-06-24T11:35:00.001-03:00

mismos experimentos

15 minutos contigo

2008-06-09T13:18:00.002-03:00

esto es un verdadero plagio emocional, podria robarle a los smiths todos sus sentimientos, en fin, esto es otro de mis experimentos del aburrimiento, en mi antiguo trabajo: imagenes para vestir un informaivo, aprendiendo posproduccion, the smiths y un poco de tiempo libre
solo 15 minutos contigo
realización. carolina campo
musica. the smiths

2008-05-27T22:03:00.001-03:00

iwtbp
la foto que se expuso en la galeria marteupmarket
santiagogiani.carolinacampo

retratos de familia

2008-05-22T11:55:00.004-03:00

prima

el plano secuencia y los videos caseros van muy bien, el tema es si esto es un video casero, o que es un video casero?, pero si mi condicion profesional no me permite hacer videos caseros, asi como no me permite ser un espectador feliz, el cine no es para mi un placer, es trabajo, entonces es probable que esto no pueda ser un video casero, siempre autocociente de si mismo, no hay inocencia formal en el, sabe demasiado de si mismo,

apuntes sobre un hombre

2008-05-09T14:06:00.002-03:00

mi primer video,
se ve mucho menos terrible despues de tanto tiempo
dejar pasar el tiempo
creditos
santiago
deborah

train in black

2008-04-28T09:54:00.008-03:00

los chicos de tourette pequeños ladrones

retratos de familia

2008-04-23T15:18:00.001-03:00

me gusta trash y simple

la noche de los pumas

2008-04-20T15:34:00.002-03:00

primera experiencia en la ficcion, no muy satisfactoria, como toda obra

APUNTES SOBRE UN DISCURSO NOSTÁLGICO

2008-02-18T21:03:00.003-02:00

(to have fun)
El Hombre ha perdido el Mundo en el que ha crecido. No sabe hacia dónde correr, dónde llorar, contra los pechos de quién. Contra los pechos de Rimini.

El cineasta ha envejecido, no tanto, no es ya un pobre hombre absorbido por el Alzheimer; pero ha llegado al punto de sentirse más solitario, lejano a sus orígenes, perdido en el mundo en el que todos estamos perdidos. Inmerso, flotando entre el temor a la muerte –constante problema para Fellini- y el mundo que se ha comido a su pueblo natal. Allí crece Amarcord , santuario que llena el espacio que todos los humanos guardan en su corazón, entre realidad y ficción –construcción.
Amarcord se constituye en el espacio de la memoria individual, es el pueblo de Federico, no es el pueblo de ningún otro italiano, de nadie más; por eso es el pueblo de todos nosotros. Especie de mezcla entre las vivencias distorsionadas por el tiempo, los recuerdos que deseamos y logramos perder en nuestro cerebro y los recuerdos de otro. Y así es como, viajar por este film es como viajar por antiguas postales italianas, que traen al presente la vivencia de un pasado turbulento y aderezado por los comienzos de la adolescencia y por el fascismo. Cada humano-personaje en Amarcord recuerda al pueblerino casi real de Rimini, al pueblerino obligado a olvidar su dialecto y acoger el idioma de la Nación por un bien común, mayor a todos nosotros.

Amarcord es, tal vez, el pueblo en el que Fellini quisiera haber crecido, presentado al Mundo como el real espacio de su niñez. Ya muchas veces el autor ha hecho esto, ha mentido sobre su huida con el circo o sobre los golpes que recibía de los curas. Intentos de convertir a su persona en parte del espectáculo, en un personaje más interesante, más atractivo de lo que probablemente se sentía. La magia de la ficcionalización de la realidad, siempre más real y más hermosa que los hechos que alguna vez ocurrieron.

El autor visita su pueblo varios años antes de filmar Amarcord y descubre que se ha convertido en un balneario lleno de turistas alemanes; ha estado a punto de morir hospitalizado; ha descubierto el poder de lo mágico, lo místico, lo esotérico –y se ha fascinado-; ha leído a Jung. Luego de esto, es cuando aparece el pueblo lleno de copos que vuelan por la primavera, al igual que aparecen 8 ½ y Giulietta degli spiriti , películas que inevitablemente tienen que ver con la introspección que realiza el autor. Hay un proceso en el mirar hacia dentro, y así mirar su mundo, Rimini, Roma –Roma . El autor parece sentirse obligado, no por factores externos, a mirarse y producir un discurso con relación a lo que encuentra dentro. Y producir un discurso con sus miedos, casi inadvertidos, pero constantes en su filmografía. El miedo a la muerte, a la vejez; el terror a la vejez, esa especie de estado casi patético, casi adorado. La nostalgia, quizá, sea el mejor discurso estructurado por el terror a la vejez y a la muerte. Y aquí es donde Amarcord devuelve cierta paz al autor. Le permite resguardarse y lo distancia un poco de su dura crítica al desarrollo de los medios electrónicos del espectáculo que emite tan explícitamente en La dolce vita o en Ginger e Fred .

En Amarcord las críticas o sátiras son otras, los militares, la Institución Familiar, la Iglesia, la Institución Educativa. ¿Pero todo esto qué importa? ¿A quién le importa? Hay algo más allá del simple análisis de la moral crítica y grotesca del autor. No hay tanto de especial en satirizar como lo hay en producir imágenes que desprenden nostalgia; casi lágrimas, si no fueran mitad belleza, mitad tristeza. La primavera ha comenzado, la primavera terminará. La muerte. Y luego, nuevamente la primavera. No hay forma de quedarnos estancados en la tristeza. La vida gira de formas terribles pero siempre llega nuevamente a una orquesta, un carnaval, una boda, una hermosa mujer; la primavera.

Nunca, nunca abandonará su crítica dura y casi sin discreciones, echándonosla en la cara casi como un golpe, sin darnos el poder de decidir qué es lo que nosotros pensamos. Nunca dejará de tener esa especie de función política cinematográfica; finalmente, todos contamos las historias que no nos dejan dormir. Pero Amarcord trasciende la mirada incrédula y racional, el análisis casi panfletario y casi revolucionario. Aquí, la crítica pasa desapercibida, no golpea al espectador y lo instruye. Aquí parecemos estar acompañados de un Fellini más emotivo, o más incapaz de esconder su emotividad a través de la proyección, construcción y finalización de una película. Se pierde mucho de sentimiento en este camino, mucho de dulzura –a menos de que este sea nuestro explicito proyecto-.

Y todo esto, a pesar de que lo primero que podemos decir es: es una crítica a la sociedad italiana de la época, a las instituciones que lo hicieron crecer y que hicieron lo mismo con miles de italianos. Es muy fácil, allí está la caricatura del Profesor, del Cura, del Padre, del Loco, de la Lujuria. Están todos. Y ninguno es discreto, pero son caricaturas, no es el discurso formal el que nos dice estas cosas. La forma se asemeja más a una postal, que tiene de postal todo lo pintoresco, bello y exótico de un pueblo sin grandes lujos.

Uno de sus colaboradores dijo, mientras preparaban el guión de Giulietta degli spiriti, que Fellini estaba cada vez más lejos de la historia y más cerca de las imágenes. Esta parece ser su nueva preocupación y, para esto, el color será un importante apoyo. Es este nuevo Fellini, que aún estaba en cierta transición en el momento de Guilietta, el que nos presenta pequeñas pinturas anecdóticas, como los son las láminas de los comic books, pero lo son también, las postales –artificios retocados y anecdóticos de momentos inexistentes, ficcionalizados para el futuro visitante.

Artificio
No hay discreción en Fellini, sus personajes están puestos delante de la cámara casi como si no estuviesen representando nada. Simplemente de forma cruda, dura, casi lejos de la actuación; como viviendo. Allí está la rudeza, en esa especie de no actuación, de torpeza de principiante –muchos de sus actores no eran profesionales. Una contradicción entre la actuación tan natural que casi no es ensayada, que no ha pasado por el filtro de una academia dramaturgica, y lo artificial que esta torpeza desencadena. Una actuación sin pulidos, más allá de su detallada dirección. Fellini se esforzaba por remarcar los mecanismos narrativos, doblaba sin necesidad –por una oscura necesidad- los diálogos, y hasta nos escupe en la cara que el mar que utiliza es de plástico. Su narrador es intradiegético, habla con la cámara, habla con los personajes; tiene problemas para estabilizarse entre estos dos mundos. Es atacado por el mundo de la narración, no sabemos a qué espacio físico pertenece. Y allí el espectador encuentra confidencia, complicidad, encuentra un espacio que le habla, aunque sabe que no le habla.

Hay una supuesta omisión de la presencia del director, un hacer de cuenta que cuento un cuento. Que estamos viendo algo tan artificial en su forma dramática, en sus estrategias de narración, que estamos viendo algo real.
No es nueva en el cine la estrategia de omitir al director, de suponer una transparencia, una idea de realidad sin intermediarios. Pero la forma clásica no era esta. El pacto que firma Fellini con el espectador es de credulidad, pero una credulidad con las cartas sobre la mesa; o casi todas las cartas sobre la mesa. Él siempre se guardará algo para hacernos trampa, la idea de transparencia sigue siendo una idea en Fellini, una simulación de transparencia. El pacto es, aquí esta lo artificioso, ahora cree en mi cuento.

Ocurre un doble juego de lo artificial y el sentimiento del espectador. Tenderíamos a pensar que cuanto más se muestran los artificios narrativos más lejos estamos de la narración, de la emoción. Sin embargo, Fellini puede sortear este mecanismo. Vemos el plano del océano plástico, un plano que dura muy pocos segundos, que no tiene otra función que la de mostrar; ¿mostrarnos la artificiosidad? Claro, vemos lo plástico, lo grotesco, tan grotesco e indiscreto como los gigantes pechos de la cigarrera, y cuando la Madre está muriendo casi lloramos. Cuando el Padre toma el aceite de ricino pensamos que morimos de angustia, pensamos en la injusticia, pensamos en lo terrible del fascismo. No se vacía de emoción la imagen, se convierte en cuento, historia que escuchamos contar a nuestro abuelo. Siempre en el conocimiento de lo irreal, no nos sentimos embaucados, manipulados, podemos estar en constante conciencia de nuestra estructura física. Aún estamos en el mundo tridimensional, y lo sabemos porque el autor nos lo recuerda; pero nuestra alma está en Rimini –Amarcord. Todo se convierte en una instancia amistosa, casi de borrachos en el bar, sobreexcitados por la gradación alcohólica de las imágenes.

Pero el alcohol hace que se pierdan algunas referencias, algunos puntos de contacto con lo real, y es ahí cuando el narrador nos cuenta que ni él sabe si lo que dice el vendedor de helados -de nariz de borracho y aspecto de loco- es verdad. Hasta para este personaje-antipersonaje es difícil separar los mundos internos de los externos. Y todo se torna exuberante, grotesco, tan masculino y lujurioso, que cualquier dama debería sentir vergüenza al admitir que disfruta de una película de Fellini.

Viñetas climáticas
Algo va definiendo al cine de Felllini cuando se convierte en felliniano. Algo más allá de sus temas, de sus personajes –muchas veces repetidos. La forma de contar sus historias, la forma pura, la estructura, la articulación de planos en pequeños cortometrajes independientes; o no tan pequeños.

Hay un camino hacia la fragmentación del relato, de forma que pareciera no tener ningún sentido a simple vista, semejándose a una especie de mezcla desordenada y arbitraria en la que al autor tira las cosas y quedan en el lugar que han caído. Al comienzo de su cine parecía más ordenado, sus historias tenían principio y fin, eran una estructura bastante clásica, con un personaje protagónico que comenzaba y finalizaba el relato de forma explícita. Cabiria o nuestro amigo el cuentero . Claro, estas películas estaban más cerca de los sentimientos neorrealistas del autor, típicos y crudos retratos de la dureza de la vida, tan dura y compleja que nos desconcierta la muerte del cuentero –no sabríamos si es correcto llorar o creer en la justicia bajo la mano de Dios, o del hombre-. O la pérdida de Cabiria, finalmente envuelta en una especie de caravana mística del bosque. Por supuesto que la caravana tiene una explicación, ellos se han perdido en el bosque, pero igual, esto suena tan ridículo que parecen duendes mágicos que han bajado de los árboles, para darnos un final feliz, la primavera.

El autor comienza un camino, que no va de Luci del varietà a La Voce della luna como saltando por encima de un río. Fluctúa, realiza una búsqueda, en la que el color y las grandes cantidades de dinero parecen serle muy útiles. Pero también, va hacia la vejez, hacia los miedos que nos atrapan cuando perdemos cierta vigorosidad. Amarcord se inserta entre estos dos extremos, con una especie de absoluta independencia del resto de su cine, casi perfecta, con cada pieza en su lugar. Fragmentando la narración como si la vida se conformara de episodios inconexos, ahorrándonos las partes menos relevantes o accesorias de la historia. Pero lo pintoresco de este pueblo es casi cotidiano, insignificante. Parecería que leyéramos el diario de Rimini, pues él es presentado como nuestro personaje protagónico, con todos esos habitantes que lo único que hacen es acompañarlo desarrollando sus actividades cotidianas.

Pero, más allá de la fragmentación y la aparente inconexión y sin sentido, podemos elegir. Está la opción de simplemente mirar las postales sin involucrarse, como simples imágenes; y está la posibilidad de reconstruir los espacios que faltan entre las viñetas, emocionándonos. Pero algo es seguro, cada viñeta vale por sí sola, cierra un pequeño ciclo, un relato anecdótico y completo. Son pequeños cartones que nos remiten a algún espacio en nuestra memoria y allí es donde tenemos que hurgar, para encontrar lo que sentimos.

El eje de la narración es Rimini y el propio y extravagante narrador nos lo explicita, él nos está contando del pueblo y a veces se pierde y se deja llevar por la historia de alguno de los protagonistas del pueblo. Pero no hay nada más que importe aquí que los recuerdos fragmentados del autor, siempre coloreados y distorsionados por la memoria y por la voluntad. Y esto tampoco es lo que importa, nunca sabremos realmente si estas historias tienen algo de verdad, pero sabemos que tienen algo del corazón del autor. Quien siempre estará buscando convertirse en un personaje de espectáculo, espectacularizando su vida; a pesar de aterrorizarse por el nuevo mundo en el que vivimos. Su fascinación está en ser un clown de circo; pero lamentablemente, los payasos que añora no existen más en nuestro veloz, incrédulo y posmoderno mundo.

Miedo y exhuberancia
Falta algo para convertir a Fellini en un gran cineasta, le falta solemnidad, esa aburrida cualidad que está de moda. Un poco de refinamiento en la imagen, un poco de sutileza, y lo transformamos en un maestro.

Todo es grotesco, exuberante, hasta una estatua del pueblo es filmada desde un ángulo en que podemos ver perfectamente su denudo trasero. Es más, un niño hace un gesto sexual, y allí es cuando parece tan pornográfico que nos repugna. Pero luego pensamos que todo es un chiste, todo lo es; o todo lo parece. El abuelo se ha perdido en la niebla, no encuentra su casa. Pero el resto de los personajes la ven, la vida sigue comúnmente aunque la ciudad está inmersa en una nube blancuzca. Solamente el pobre hombre está perdido, desorientado. Solo en el cuadro, rodeado de humo blanco –niebla-, de frente a la cámara, parece un chiste sobre la muerte. Es un chiste sobre la muerte. Y es un chiste sobre el miedo que Fellini tiene a la vejez.

Y la mujer baña a su esposo, luego de beber aceite de ricino; tan peludo, tan patético, tan hediondo y terrible. Y el loco apedrea desde encima de un árbol a quienes intentan bajarlo. Claro, mientras reclama que quiere una mujer. Ya no sabemos qué es lo que debemos sentir. Seríamos crueles si riéramos, seríamos tontos si llorásemos. Y aquí es cuando nos queda dejar de pensar en Fellini como un satirizador de recuerdos, como un viejo gaga amante de las exhuberancias femeninas y de las burlas.

Algo trasciende esta simple caracterización, algo nos explica por qué nos importa el autor, qué es lo que lo hace tan especial. Y descubrimos que nos aleja de la idea de solemnidad de la vida. Suspende nuestro terror a las dificultades, a las densas cotidianidades. Fluctuante entre la vergüenza, el miedo y la pasión. Suspende nuestro sentido de realidad. Nos da el respiro que buscamos, pero nos da un respiro más perpetuo que la duración de sus películas. Aprendemos que no llueve en todos los entierros, que la vida es más fluctuante y libre, y que las combinaciones son múltiples. Pero existe la magia.

Y algo nos asusta terriblemente sobre nosotros mismos; debemos aceptar que disfrutamos de algo tan vulgar como una mujer moviendo las caderas y un grupo de niños masturbándose dentro de un auto. Pues es evidente que el Mundo ha cambiado, que las costumbres educativas y de actitud social ya no son las mismas; pero las pasiones humanas se mantienen constantes. Al igual que los miedos.

Amarcord no es vigorosa, no es joven, es más bien un poco conservadora –con ese miedo a lo actual-, intentando recoger el pasado, lo perdido –siempre mejor. Y lo recoge, unificando fragmentos de una Italia en guerra, lejana en tiempo y espacio; destecnologizada. Pero la película emana una sensación nostálgica, y exhibe sin pudor los recuerdos, obligándonos a sentirnos amenazados o abrazados.

Y aquí es cuando volvemos a replantearnos qué hace a un gran cineasta y para qué nos sirve la solemnidad e intelectualidad. Ciertamente Felllini no era un intelectual, él mismo lo explicita cuando expresa que el lugar de un director no es en una biblioteca ni en una sala de cine. Su lugar es la vida. Y es esta fusión con la vida la que le otorga la intuición y la que, además de su personal mirada del mundo, lo transforma en un hombre sensible. Capaz de compartir inquietudes con los grandes clásicos de la Historia de las Artes, lejos de sus libros, sus pinturas y sus películas. Simplemente cerca de la intuición que tienen ciertos hombres sensibles.

2008-02-07T17:16:00.001-02:00

Breve

Esta es la presentación del maldito espacio de sueños.

El lenguaje, como fragancia abstracta e independiente del hombre, casi una negación, me quita el sueño. Probablemente porque es él el que me aleja de los humanos, de las cosas, de las sensaciones. Es él el que pone una barrera entre lo tangible y mi mente, el lenguaje.

Maldito espacio que se ha emancipado y pelea por dejarnos a la deriva. Por eso hoy, lenguaje, lenguaje como cuerda para atar nuestras piernas, nuestras manos y gozar.

Es tiempo de rock this town